Vínculo al artículo original: https://voyagela.com/interview/daily-inspiration-meet-luis-quijano
Hoy nos gustaría presentarles a Luis Quijano.
Hola Luis, estamos muy emocionados de tenerte con nosotros hoy. ¿Qué nos puedes contar sobre tu historia?
Todo comenzó con mis padres. Fueron ellos quienes impregnaron mi vida de arte y cultura. Yucatán, mi estado natal en México, es un lugar muy rico en cultura, tradición y color. Íbamos en familia a ver la Jarana (la música y danza emblemática de Yucatán, una fusión entre la jota aragonesa de España y la antigua cultura maya), a los cines Siglo XXI para ver todas las nuevas películas animadas, mis hermanas participaban en academias locales de danza y hacían teatro musical, mi madre practicó ballet cuando era joven, y cada domingo íbamos a Librerías Dante, donde mi padre nos compraba un libro a cada uno. El arte y la cultura siempre estuvieron presentes a nuestro alrededor. Su aprecio y respeto por el arte fueron lo que me llevó a esta industria. Todo lo que sé se lo debo a ellos y al arte que experimenté durante mi infancia, algo que más tarde se transformó en una curiosidad por hacer cine.
Cuando decidí convertirme en cineasta, nunca dudaron de mí, aunque les preocupaba que entrara en una industria difícil. Aun así, siempre creyeron en mí. Estoy donde estoy gracias a mi familia y también a mi perseverancia por seguir adelante y ser cada vez mejor en lo que hago, sin importar los obstáculos.
Muy bien, profundicemos un poco más en la historia. ¿Ha sido un camino fácil o has tenido que superar desafíos importantes?
Definitivamente no. Nunca es un camino sencillo. Esta es una industria de resistencia. Para mí, la mayor dificultad siempre ha sido lo mucho que tarda cualquier proyecto en despegar. Incluso en el nivel del cortometraje, te enfrentas a limitaciones presupuestarias y a una enorme inversión de tiempo. Estás desarrollando, reescribiendo, presentando proyectos, intentando alinear a distintas personas alrededor de algo que al principio solo existe en tu cabeza. Y la mayoría de las veces haces todo eso sin ninguna garantía de que realmente se produzca o tenga éxito, porque la industria es extremadamente volátil.
En el caso específico del horror, el proceso se vuelve aún más complejo. Cuando desarrollaba mi cortometraje Avem(2025, actualmente en festivales de cine), me di cuenta rápidamente de que no solo estaba vendiendo una historia, sino una experiencia. Tienes que comunicar el tono, la atmósfera y la intención de una manera muy precisa. La gente quiere entender qué lo hace aterrador, pero también qué lo hace diferente. Y si te inclinas hacia algo como el horror corporal, estás pidiendo a las personas que confíen en una visión que puede sentirse muy visceral, incómoda y no necesariamente “segura” en un sentido tradicional. Y además de eso, se suma el aspecto político y social de la inmigración, un tema que sigue siendo ampliamente discutido y, de alguna manera, todavía controvertido, capaz de generar conversaciones tanto positivas como negativas.
Luego está la ejecución, que es donde el horror realmente te pone a prueba. Es un género profundamente técnico. Todo importa: la actuación, el diseño sonoro, el ritmo, los efectos prácticos. Con Avem, gran parte del reto fue asegurar que su fisicalidad se sintiera real; que el horror no fuera solamente conceptual, sino algo que casi pudieras sentir bajo la piel. Y cuando trabajas con recursos limitados, eso se convierte en un ejercicio constante de resolución de problemas. Estás tratando de lograr algo ambicioso sin contar con la infraestructura de las grandes producciones. Lo interesante es que el horror es increíblemente popular. El público responde, los festivales lo programan y viaja muy bien internacionalmente. Avem ha tenido una vida extraordinaria gracias a ello. Pero al mismo tiempo, sigue existiendo la percepción de que es un género menos serio o menos valioso que otros. Así que terminas en una posición extraña donde el público entiende su poder, pero las categorías no siempre son tan claras. ¿Encaja mejor en un festival de horror? ¿En un festival latino? ¿Es demasiado gráfico para una sección de drama? ¿Demasiado dramático para una sección de horror? ¿Son demasiado arriesgadas sus implicaciones políticas?
Me Gusta Más Crudo (largometraje próximo a estrenarse) es otro proyecto que podría ser difícil de vender. Es extremadamente gráfico e intenso, pero también conceptual, con una visión autoral elevada y un mensaje político. Ha sido el proyecto más difícil para conseguir inversión, no solo porque es el más ambicioso y costoso hasta ahora, sino también por su naturaleza extrema. Estoy muy emocionado por ver hacia dónde nos llevará este proyecto. Al final, tienes que creer en lo que estás diciendo y en lo que creas con los recursos que tienes.
Así que sí, hay resistencia en cada etapa: lograr que se haga, conseguir que la gente crea en ello y ejecutarlo de una manera que realmente cumpla con la promesa del género. Pero creo que eso también es lo que lo hace emocionante. Cuando funciona, el horror impacta de una manera que muy pocos géneros pueden lograr.
Gracias por compartir eso. ¿Qué más deberíamos saber sobre lo que haces?
Sí, soy cineasta. Escribo y dirijo, y trabajo principalmente dentro del género de horror. Me interesan las historias que se sienten muy viscerales, donde lo que sucede emocionalmente también se manifiesta físicamente de alguna forma. Esa intersección me fascina: utilizar el horror para exteriorizar cosas que son más difíciles de expresar de una manera tradicional o realista. Creo que naturalmente me inclino hacia el tono y la atmósfera. Incluso cuando algo es perturbador o intenso, quiero que se sienta auténtico, como si realmente estuvieras dentro de la experiencia del personaje. Me interesan menos los sobresaltos fáciles y más el horror que permanece contigo después de que termina la película, aunque también disfruto mucho los momentos de impacto. Definitivamente vivo por las reacciones del público en una sala de cine, especialmente esos momentos inesperados o extremos donde puedes sentir cómo cambia la energía de toda la sala.
Como mexicano, también intento representar mi cultura y mi herencia en mi trabajo siempre que puedo. No me gusta necesariamente la idea de ser encasillado como un “cineasta latino”, porque eso a veces limita el tipo de historias que la gente espera de ti. Pero al mismo tiempo, es muy importante para mí que mis raíces estén presentes en mi obra. Hasta ahora, todos mis proyectos han sido sobre mexicanos, con mexicanos o ambientados en México, principalmente en español o en una mezcla de idiomas. Es simplemente parte de mi perspectiva como cineasta.
Mi cortometraje más reciente, Avem, es probablemente el trabajo por el que más se me conoce actualmente. Ha tenido un recorrido muy exitoso desde su estreno en el Festival de Cine Latino de Nueva York y posteriormente en eventos como Screamfest Horror Film Festival y Salem Horror Fest, entre otros. Hasta ahora hemos tenido 16 exhibiciones, con una proyección próxima en San Diego Comic-Con durante julio. Ha sido muy significativo porque es una película muy específica y personal. Ver cómo conecta con públicos tan distintos ha sido increíblemente gratificante. Además, tiene una clara dimensión política, lo que ha resultado interesante porque la gente la ha interpretado de maneras muy diferentes.
Y creo que de lo que más orgulloso me siento es de haber permanecido fiel a esa voz. El horror es un espacio curioso porque es enormemente popular, pero aún no siempre es tomado en serio en ciertos círculos. Y el tipo de horror que me atrae puede resultar incómodo o poco convencional, por lo que es fácil sentir presión para suavizarlo. He intentado resistirme a eso y abrazar aquello que realmente quiero crear. Para mí, lo más importante es la conexión emocional con el público, porque eso es lo que siempre recuerdo de las películas que más me han marcado.
¿Cuál dirías que ha sido una de las lecciones más importantes que has aprendido?
Creo que la lección más importante ha sido mantenerme fiel a mi visión, pero también ser muy claro con mis colaboradores.
Cada proyecto trae sus propios desafíos. Las cosas cambian, los recursos se modifican, las ideas evolucionan, y si no estás firmemente anclado en lo que intentas decir, es muy fácil perder la película en el camino. Tener una visión clara no significa ser terco; significa tener algo sólido a lo que regresar cuando todo se vuelve complicado. Algo que te recuerde: esto es lo que quiero contar, cómo quiero contarlo y por qué quiero contarlo. A veces es una apuesta. Con Avem, por ejemplo, fui muy intencional desde el principio al decidir que no quería música ni un diseño sonoro dominante, dos elementos que normalmente son fundamentales en las películas de horror. Esa decisión influyó en todo, incluso durante la producción. Dirigí sabiendo que la película dependería casi por completo del sonido capturado en locación, así que tuvimos que ser extremadamente precisos con el movimiento de actores, las interpretaciones y el entorno, asegurándonos de que todo lo que capturábamos en cámara pudiera sostener el mundo de la película por sí mismo. Después, en postproducción, mantuve esa decisión incluso cuando comenzamos a probar la película con audiencias. Generó reacciones encontradas. Algunas personas sintieron que hacía que el mundo se sintiera único e inquietante de una manera muy específica, mientras que otras consideraron que era demasiado vacío o silencioso para una película de horror. Pero me mantuve firme. Y aunque sigue siendo una decisión divisiva, muchas personas responden precisamente a ese vacío, porque crea una sensación visceral que conecta directamente con lo que los personajes están atravesando y con la forma en que literalmente escuchan o sienten su estado emocional y físico.
Pero honestamente, igual de importante ha sido la comunicación. El cine es profundamente colaborativo y, especialmente en el horror, donde el tono y la ejecución requieren tanta precisión y donde las historias suelen ser emocionalmente complejas y agotadoras, todos deben estar alineados. Si las personas no comprenden completamente lo que buscas, incluso pequeñas desconexiones pueden alterar por completo la película.
En Me Gusta Más Crudo, por ejemplo, el rodaje se volvió muy intenso y evolucionó constantemente más allá de lo que estaba escrito en el guion. Hubo momentos en los que algunos actores se sintieron un poco perdidos dentro del proceso. Eso me recordó la importancia de mantener una comunicación clara en todo momento, porque por muy sincronizados que estemos creativamente, nadie puede leer la mente de otra persona. Y si no existe claridad sobre lo que realmente intenta expresar una escena, puede volverse muy difícil seguir el rastro de lo que estamos construyendo juntos.
Tuve la fortuna de contar con actores muy preparados y dispuestos a confiar, por lo que nunca perdimos completamente el objetivo de las escenas. Pero también fue un recordatorio de que fácilmente podría haberse desviado y convertido en algo caótico, tanto durante el rodaje como más adelante en la postproducción.
Así que, para mí, todo se reduce a encontrar ese equilibrio: tener la confianza suficiente para proteger el núcleo de una idea, pero también la claridad y apertura necesarias para que quienes te rodean puedan ayudarte a llevarla a la vida de la manera correcta.
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